Электронная онлайн библиотека

 
 Культурология: украинская и зарубежная культура

Титаны итальянского Возрождения


Треченто связывается с именем живописца Джотто ди Бондоне (1267-1337 гг.).

Из работ Джотто лучше всего сохранились фрески капеллы дель Арена в Падуе. 38 сцен из жизни Христа и Марии Джотто связал в единое целое, создав большой эпический цикл. Это зв'язна рассказ (первая в живописи), в которой отражены самые разнообразные психологические коллизии: взаимопонимание, коварство, скорбь, смирение, всепоглощающая материнская любовь. Сцены полны внутренней напряженности, порой трагические (композиция "Несения Лазаря").

Вместо условного золотого фона византийских мозаик Джотто вводит пейзажный фон. Фигуры приобретают объема и естественности движений. Возникает трехмерное пространство, которое достигается не перспективным углублением (решения перспективы было делом будущего), а определенным размещением фигур на расстоянии друг от друга на плоскости стены. Однако анатомия человеческого тела заинтересовала художника. И если в византийском живописи фигуры словно парили, висели в пространстве, то герои Джоттових фресок уже твердо стояли на земле. Джотто ввел и бытовые детали, которые усиливают жизненность изображенного. Эмоциональная выразительность, драматизм и в то же время величество и монументальность - таковы основные черты его манеры. Он уже преодолел традиционный средневековый алегоризм, и поэтому его образы понятны всем. Впоследствии росписи капеллы начали называть "евангелием Джотто", "евангелием для неграмотных".

Джотто был и архитектором: по его проекту сооружена колокольня флорентийского собора, которая до сих пор украшает Флоренцию своим легким сквозным силуэтом, контрастируя с мощным куполом собора.

Центром художественной культуры треченто, кроме Флоренции, выступает также город Сиена. Его культура более аристократическая, проникнутая духом церковности. Фрески сиенские школы чепурніші, декоративніші, в них много византийских рис: так, благодаря мягкому, плавному ритму в мадоннах Дуччо ди Буонісенья много лиризма, одухотворенности.

До сих пор поражает фреска "Триумф смерти" на стене пизанского кладбища, автор которой неустановленный: сюжет навеян трагическими событиями 1348 p., когда эпидемия чумы косила жителей Италии. Фреска воплощает традиционный для средневековья сюжет ("memento mori" - "помни о смерти") - в ней присутствует смерть с косой, борьба ангелов и дьяволов за человеческие души, а рядом - блестящая кавалькада дам и кавалеров, совсем не омрачена видом раскрытых гробов; юноши и девушки в сцене "Сад любви" с восторгом слушают музыку, несмотря на приближение смерти в образе летучей мыши с косой. Триумф смерти или триумф жизни?.. Это уже ренессансное мироощущение.

XV ст. (кватроченто) - это век зарождения нового буржуазного мировоззрения, века дерзаний, творческой свободы, преклонение перед человеческой индивидуальностью. Это век, в котором были развязаны сугубо художественные задачи.

Одной из наиболее плодотворных была флорентийская школа. К архитектуры Флоренции в XV в. черты нового стиля ввел Филиппо Брунеллески (1377-1446 гг.). В 1434 г. он завершил исполинский купол Флорентийского собора (в целом готический дом).

В дальнейшем Брунеллески и другие архитекторы кватроченто обратились к античной ордерной системы. Капелла Пацци при церкви Санта-Кроче - прямоугольная в плане, с шестью коринфскими колоннами на фасаде, с карнизом на парных пилястрах, с портиком, увенчанным сферическим куполом, - несет на себе черты античной простоты, гармонии и соразмерности. Это становится характерным для всего искусства Возрождения.

Еще ярче эти черты проявились в светской архитектуре - например, в сооружении Воспитательного дома во Флоренции, в котором галерея первого этажа, которая переходит на втором этаже в гладкую стену с карнизами и окнами, стала образцом для всей архитектуры Ренессанса.

Кватроченто создало и новый образ светской городского дворца (палаццо) - палаццо Питти, палаццо Медичи (имя банкиров Медичи, в течение 50 лет с конца XIV в. правителей Флоренции, дало название возрастные медіційської культуры), палаццо Ручеллаї. Четкость этажного членение (как правило, они трехэтажные), большая роль пилястр, сдвоенные (четные) окна, подчеркнутый карниз - такие характерные черты этих дворцов.

Скульптором, которому выпало в искусстве на целые столетия вперед решить проблемы круглой скульптуры, конного монумента, был Донателло (Донато ди Никколо ди Бетто Барди, около 1386-1466 гг.). В двух ранних скульптурах для церкви Орсанмікеле он возрождает античный опыт: в апостоле Марку решает проблему становления человеческой фигуры в полный рост по законам пластики, разработанными еще в Греции Поліклетом, но забытыми в средневековье; у статуи святого Георгия чувство самосознания и уверенности подчеркнуто спокойной позе фигуры, которая напоминает колонну, что сближает "Св. Георгия" с образцами высокой греческой классики. Создавал Донателло и портреты конкретных лиц (портрет Никколо Удсано, например).

Античные традиции (но уже поздней классики) явно ощутимы в бронзовом "Давиде" Донателло. Простой пастух, победитель великана Голиафа, который спас жителей Иудеи от ига филистимлян и стал впоследствии царем, Давид был одним из самых любимых образов искусства Возрождения. Донателло изобразил его совсем юным, идеально прекрасным, словно Гермес Праксителя, хоть и ввел такую деталь, как пастушья шляпу, - знак его простого происхождения.

В Падуе перед собором св. Антония стоит памятник Гаттамелаті (первый конный монумент новой эпохи) - это созданный Донателло образ военачальника, кондотьера с маршальским жезлом в руке, в доспехах, но с непокрытой выразительно-портретным головой на дебелому, величественном лошади.

Существовал во Флоренции и более архаичный художественное направление - один из самых известных фра (то есть "братьев" - обращение монахов друг к другу) Джованни Беато Анжелико да Ф'єзоле, монах строгого доминиканского ордена, создавал полные лиризма и задумчивости мадонн.

В медіційській культуре было уже очень много светского, невозможного для средневековья. Например, Филиппо Липпи, любимый художник Козимо Медичи, изобразил в образе Мадонны и Христа с Иоанном свою возлюбленную, некогда похищенную им монахиню, и своих детей.

Сюжеты росписей были, конечно, религиозные, но художники флорентийского кватроченто вводили в них много бытовых подробностей, портреты реальных людей, живые человеческие чувства.

Во второй половине XV в. усилилась роль патрициата в искусстве, возросло значение изящества и роскоши. Особенно эта тенденция давалась о себе знать во время правления внука Козимо Медичи - Лоренцо, прозванного Пышным. Трезвый политик, тиран, но и поэт, философ, гуманист, меценат, язычник за мироощущением, склонен в то же время к религиозной экзальтации, Лоренцо превратил свой двор на центр художественной культуры того времени. В нем получили убежище Пико делла Мирандола, Боттичелли, Микеланджело. Но в культуре двора Лоренцо Пышного уже есть настроения декаданса, изнеженность.

Выразителем эстетических идеалов двора был художник Сандро Ботичелли (Алессандро ди Маріанно Филиппи, 1445-1510 гг.). Галерея Уффици сохраняет две его знаменитые картины: "Рождение Венеры" и "Весна". В этих картинах оказались все основные особенности стиля Ботичелли: лирический и романтический характер образов, фантастический пейзаж - некий заколдованный сад, его "готицизми" (удлиненные невесомые фигуры, словно не касаются земли), особый тип женского лица - удлиненный овал, припухшие губы и глаза, которые кажутся заплаканными. Лицо Венеры, которая разбрасывает с подола цветы, очужіло-застывшее, оно почти трагическое, что совсем не гармонирует с радостью, которую она несет. Такие сами его мадонны, а также "Саломея", "Вигнанка" и др.

Ботичелли был автором росписей на стене Сикстинской капеллы, где через полвека оставил свои произведения и Микеланджело.

Основные работы Боттичелли, в основном "Оплакивание", навеянные образу и трагической судьбой Савонаролы, под влиянием которого оказался художник в 80-90 гг. Страстные разоблачения доминиканского монаха, направленные не только против тирании Медичи, распущенности папства и упадка религии, но и против всей культуры Ренессанса, привели на фанатичные костра Савонаролы, где сжигали шедевры ренессансной культуры, и произведения Ботичелли. Последние десять лет он ничего не создал, после казни Савонаролы находился в трагической меланхолии.

Флорентийская школа оставила выдающиеся открытия в живописи: перспективу, анатомию тела, точный рисунок, естественные движения; но цвет не был сильной стороной флорентийских мастеров.

Умбрійська школа (на северном востоке от Тосканы) дала искусство, в котором главную роль играет колорит. Здесь работали учитель Рафаэля Пьетро Перуджино (Ванучі, около 1452-1524 pp.) и ряд других мастеров. Выдающимся среди них был Пьеро делла Франческа (около 1420-1492 гг.).

С конца XV в. начинается тяжелый период для Италии. Военные нападения северных городов на разделенную страну, которая теряла свое могущество, необходимость борьбы за независимость, выдвинули в искусстве на первый план идеи гражданской доблести, обязанности, подвига, образ прекрасного, сильного духом и телом героя, что поднялся над обыденностью. В этот недолгий период наступает "золотой век" итальянского Возрождения, так называемый Высокий Ренессанс. Его искусство отрекается от подробностей, незначительных деталей в имя обобщенного образа. И, естественно, создателями такого искусства могли стать только истинные титаны.

Одним из них был Леонардо да Винчи. Он жил во многих городах Италии: Флоренции, которая была не слишком благосклонна к художника в начале его пути, в Милане, Мантуи, Венеции, вновь во Флоренции. Окончил свои дни во Франции.

Он разбирался в анатомии, геометрии, фортификации, мелиорации, лингвистике, віршуванні, музыке. Когда Леонардо предложил свои услуги герцогу в Милане, он прежде всего перечислил свои навыки военного инженера (строителя мостов, фортификатора, судостроителя), мелиоратора, зодчего, а уже потом скульптора и живописца. Леонардо посвятил всю свою жизнь научным исследованиям. В искусстве он тоже ставил опыты, делал наблюдения, расчеты, экспериментировал. Через перспективу выходил в сферу оптики и физики, через проблемы пропорций - в анатомию и математику.

Первое большое произведение миланского периода - "Мадонна в скалах" (или "Мадонна в гроте"). В нем уже в полной мере проявились черты стиля Леонардо. Композиция логическая, точно выверенная. Фигуры мадонны и ангела излучают спокойствие, но в то же время и некоторую таинственность, вызывают тревожное чувство, что подчеркнуто фантастическим видом самого грота и пейзажем. По сути это уже не просто пейзажный фон, а определенная среда проживания персонажей. Созданию этой среды способствует и то особое качество живописи Леонардо, которая получила название "сфумато": все предметы окутаны легкой дымкой, что смягчает очертания, создает специфическую световоздушную атмосферу.

Наивысшим достижением Леонардо да Винчи является роспись стены трапезной монастыря Санта-Мария делла Грация на сюжет "Тайной вечери". Христос в последний раз встречается за ужином со своими учениками, чтобы объявить им о предательстве одного из них: "Истинно говорю вам, один из вас предаст меня". Леонардо изобразил момент реакции всех двенадцати на его слова: очень сдержанный, но полный внутренней напряженности. Художник много раз менял композицию, и в основу ее положил математические расчеты. И при этом главным его интересом остались характеры, темпераменты, индивидуальности.

Леонардо во многом остался на позициях искусства кватроченто, так никогда и не признав стремление молодых современников к синтеза и обобщения явлений природы, к типизации человеческого образа. Леонардо усматривал в человеческом теле жилище души человека, а в манере поведения, мимике, гримасах отражения душевных движений, прекрасных ли уродливых. Исследователю итальянского искусства эпохи Возрождения М. Дворжаку принадлежит такая оценка творчества Леонардо: "Это психологический живопись, воплощение душевных процессов, неизвестно предыдущем искусству. Оно основывается на таком же познании человеческого характера, которое один из величайших писателей Италии, Макиавелли, в то же время положил в основу своего "Государя", - воплощения, что объясняет значимые, трагические и бурлескные события человеческой жизни не внешними, материальными обстоятельствами или вмешательством сверхъестественных сил, а влиянием психических особенностей самого характера. Так был проложен путь, который вел в литературе к трагедии характеров - до Шекспира и далее до Гете и Шиллера".

Судьба "Тайной вечери" трагическая. Леонардо сам вызвал осыпания стенописи, потому что проводил опыты с красками, смешивая темперу с маслом. Впоследствии в стене было пробито дверь, и в трапезную начали проникать влага и пара. В конце XVIII в. бонапартистов, которые вторглись в Италию, устроили в трапезной конюшню, склад сена, а затем тюрьму. Во время второй мировой войны в трапезную попала бомба - и стена лишь чудом уцелела. В 50-х гг. роспись был фундаментально реставрирован.

Гасконські арбалетники в 1449 г. расстреляли и конный памятник Франческо Сфорца, который в начале 90-х гг. Леонардо завершил в глине, но не успел вылить в бронзе.

Из живописных работ Леонардо одна из самых знаменитых в мире - портрет Моны Лизы, жены купца дель Джокондо. Об портрет написаны сотни страниц. Неоспоримо, это важнейшая ступень на пути развития ренессансного живописи. Портретный жанр завоевал достойное место рядом с картинами на религиозные и мифологические сюжеты. Портретам кватроченто было еще далеко до раскованности и ярко выраженной индивидуальности этого образа.

Величие Моны Лизы достигается уже самим сопоставлением ее сильно выдвинутой к краю полотна фигуры с видимым словно издалека ландшафтом, заманчивым, неуловимым, словно фантастическим. Невловний и выражение лица Джоконды - в нем ум, проницательность и тонкость, ее глаза следят за зрителем, таинственная обольстительная улыбка может быть истолкована по-разному. В портрете подчеркнуто чувство собственной значимости, высокого права на самостоятельное духовное жизни. При этом без единой натуралистической ноты достигается такое впечатление конкретности этого тела, которое дало возможность еще Вазари воскликнуть, что в впадине шее Моны Лизы можно увидеть биение пульса.

Леонардо да Винчи был гением, который открыл новые горизонты в искусстве. Каждый из оставленных им произведений - это этап в развитии культуры, а некоторые его научные открытия и прозрения представляют интерес и сегодня.

Слияние традиций античности и духа христианства достали ярчайшее проявление в творчестве Рафаэля (Рафаэлло Санти (Санціо 1483-1520), pp.). Он был счастливым художником. Много и напряженно работал, но творчество никогда не была для него горькой мукой. В своем искусстве он не ставил недостижимой цели, а умел несхибно определить задачи. Это врожденное чувство меры, естественное влечение к гармонии; все, что он хотел сказать людям, он успел передать в своих произведениях, хотя прожил всего 37 лет. Его искусство было ясным, возвышенным, идеальным, действительно классическим. В течение пяти веков не утихают дискуссии о Рафаэля: одни считают его создателем некой "вечной красоты", другие делают его ответственным за рождение далекого от жизни академизма. Но следует помнить, что его творчество было выражением идеалов своего времени. В произведениях мастера ярко воплотились представления ренессансного гуманизма о свободной человеке, о его физическое и духовное совершенство, о ее особое место в окружающем мире.

Светлый гений Рафаэля не был склонен к психологической погруженности и постижения внутреннего мира человека, как этому стремился Леонардо. Еще больше был ему чужд дух титанического и в то же время трагического восприятия жизни, столь свойственного Микеланджело.

О сути своего искусства Рафаэль высказался в письме к другу Бальдасаре Кастильоне: "Чтобы обрисовать красавицу, мне надо видеть много красавиц; при условии, что ваша милость будет со мной вместе, чтобы сделать выбор наилучшего. Но за неимением как компетентных судей, так и красивых женщин я воспользовался определенной идеей (certa idea), которая пришла мне в голову. Содержит ли она в себе некое совершенство искусства, я не знаю, но очень стараюсь ее достичь". Он стремился соединить ценности земного бытия с высокими идеями. Рафаэль, как никто другой из мастеров Возрождения, сумел не только освоить мастерство формы, но и уловить саму суть произведений античного искусства.

Заслуга Рафаэля заключалась в том, что в своем искусстве он органично связать в одно целое два разных мира - христианский мир и мир классический. Это "еллінізоване христианство", выращенное на почве ренессансного неоплатонизма, вобрала в себя весь опыт предыдущего развития искусства итальянского Возрождения, которое порвало с традициями средневековья. В картинах и фресках Рафаэля перед нами встает идеально-возвышенное изображения церковной легенде, античного мифа и человеческой истории.

Прежде всего в его "Мадоннах" воплощается Богоматерь и вечная красота материнства с ее радостями и печалями. Он много раз обращался к этому образу: "Мадонна Конестабіле", "Мадонна Альте", "Мадонна в кресле", "Мадонна на лугу", "Мадонна со щелчком" и, наконец, Мадонна, нарисованная для монастыря церкви св. Сикста, так называемая "Сикстинская мадонна". Привлекательная для Рафаэля возможность перевоплощения древней иконографии Богоматери "развод", темы печального материнского предчувствие, словно осознание жертвы, которую мать Христа должна принести людям, вступила в "Сикстинской мадонне" наиболее полного выражения. Царица небесная с печальным сыном на руках - торжественная, недосягаемая, скорбная - будто спускается навстречу людям. Мотив розсунутої завесы - обычно это делают ангелы, а в "Сикстинской мадонне" она раскрывается сама по велению неизвестной силы, - показывает явления Богоматери как зримое чудо. Святой Сикст и святая Варвара словно поддерживают с обеих сторон Мадонну, образуя вокруг нее замкнутый круговорот чувств. Издалека картина кажется чудесным видением. При более близком подходе видишь юную мать, заступницу человеческую, которая знает о трагической неизбежности разлуки с сыном. Печальна недетская серьезность и торжественность маленького Христа подчеркивает жертвенность матери.

"Сикстинская мадонна" - поздний произведение Рафаэля. До того, в 1509 г. папа Юлий II пригласил молодого художника в Рим для росписи личных покоев (станц) в Ватиканском дворце. В начале XVI ст. Рим становится главным культурным центром Италии. Искусство Высокого Возрождения достигает своего наивысшего расцвета в этом городе, где волею меценатов - пап Юлия II и Льва X одновременно работают такие художники, как Браманте, Микеланджело и Рафаэль. Искусство их восприняло идею национального единства (ведь папы мечтали о объединение страны под своей властью), питалось античными традициями, выражало идеологию гуманизма. Общая идейная программа росписи папских покоев - прославление католической церкви и папы как ее главы.

Рафаэль разрисовал первые две станци. Работа длилась девять лет. В станц делла Сеньятура (комнате подписей, печатей, официальных заседаний) он создал четыре фрески - аллегории основных сфер духовной деятельности человека: философии, поэзии, богословия и юриспруденции. Искусству средневековья и раннего Возрождения было свойственно изображать науки и искусства в образе аллегорических фигур. Рафаэль создал композиции с многими фигурами. В основе каждой лежит литературная программа, возможно, предложенная Рафаэлю учеными советчиками, а может, выбрана и им самим. Программа станци делла Сеньятура в определенной степени воплощала идею примирения христианской религии с античной культурой. Очень важно понять, как абстрактную дидактический идею о единстве религии, науки, искусства и права, выраженную в фресках станци делла Сеньятура, Рафаэль передавал языком живописи и еще и воплотил в них соответствующий представлениям Ренессанса гуманистический идеал совершенной интеллектуальной человека.

Фреска "Афинская школа" - аллегория Храма науки. Под сводами этого храма непринужденно расположились философы древности. Самые выдающиеся из них - Платон и Аристотель - словно медленно выходят из глубины, становятся в центр группы ученых. За ними интерьер прекрасный купольного храма, украшенного статуи Аполлона и Минервы. Справа в образе Евклида Рафаэль изобразил своего великого современника - архитектора Браманте; далее знаменитые астрономы и математики; у самого края правой группы художников изобразил себя. На лестнице стоит глава школы киников Диоген, в левой группе - Сократ и Пифагор; на переднем плане в глубокой задумчивости - Гераклит Эфесский. Величественный образ Платона, по предположению некоторых исследователей, навеянный необычайным образом Леонардо, а в Геракліті изображенный Микеланджело. Главное, конечно, - это общая атмосфера высокой духовности, глубокого уважения к могуществу человеческого духа и разума. Логика, абсолютное постоянство, ясность и простота композиции создают впечатление чрезвычайно целостной и удивительной гармоничности.

Во фреске "Парнас", которая олицетворяет поэзию, изображенный Аполлон в окружении муз и поэтов - от Гомера и Сапфо к Данте. В большой композиции "Диспута" изображена разговор отцов церкви и ученых теологов о таинстве причастия. В ней земные персонажи (среди них и художники и философы кватроченто - Фра Анжелико, Савонарола и др.) объединяются с изображением чудесного видения "Троицы" в окружении святых и ангелов. Мы видим здесь уподобления мира небесного виденью "Страшного суда". Есть здесь даже сходство вида и позы Христа с изображением аллегории "Правосудие" на своде станци. Очевидно, программа "Диспуты" включает в себя идею Божьего суда, божественной справедливости.

Во второй комнате - станц д'Еліодоро - фрески на сюжеты, прославляющие римских пап: "Изгнание Еліодора" - библейский сюжет о том, как кара Господня в лице ангела - всадника в золотом облачении - упала на сирийского вождя Еліодора, который пытался похитить из Иерусалимского храма золото, предназначенное для сирот и вдов. Этот сюжет созвучен времени: папа хочет напомнить французам, которые собираются в поход на Италию, о кару Божью, которая постигнет всех, кто будет посягать на Рим. Так же Рафаэль изобразил здесь и папу, которого несут в кресле к поверженному противнику.

Прославлению чудодейственной силы пап посвящены также фрески "Месса в Больсені", "Встреча папы Льва И с Аттилою" и другие. Папам предоставлялись черты современников художника Юлия II (и это один из самых выразительных его портретов) и Льва X.

Другие фрески созданные учениками Рафаэля по его эскизам.

Ватиканские фрески Рафаэля, и прежде всего станци делла Сеньятура, вместе с "Тайной вечерей" Леонардо и Сикстинской потолком Микеланджело - вершина монументальной живописи Возрождения.

Рафаэль был и великим портретистом своего времени. Он соединил индивидуальное с типичным - через определенные, очень точные черты, которые передают суть человека, выступает образ человека этой эпохи. Мы имеем возможность видеть в портретах Рафаэля исторические портреты-типа: "Папа Юлий II", "Лев X", "Женщина в покрывале" ("Донна Велата"), друг художника - писатель Бальдасаре Кастильоне, автор книги диалогов "О придворного". Портрет Кастильоне - это непринужденность, жизненность и тонкая одухотворенность. Теплый тон лица и рук несколько контрастирует с изысканной цветовой гаммой черного, серого и белого в одежде. Все в этом гармоничном портрете свидетельствует о жизни в согласии с окружающим миром, на который сам Кастильоне поглядывает спокойно и доброжелательно и в котором он знает свое место, достойное его благородного происхождения и личных качеств. Не делая никаких усилий, он осознает себя выдающимся человеком, которым писатель на самом деле был и каким мы его представляем.

Никогда еще до Рафаэля надменный идеал "совершенного человека" не совпадал так точно и полно с действительностью, никогда еще искусству Возрождения не удавалось передать эту гармонию с такой очевидностью и простотой, с таким потрясающим реализмом, как это сделал Рафаэль.

Искусствоведы называют живопись Рафаэля архитектурным. И это действительно так. Художник, создавая фигуры в пространстве, имел в виду определенную симметричную композицию, ее расчленение и ритмическое построение на образец архитектуры. Центробежные и центростремительные силы композиции взаимно уравновешивают друг друга. Важную смысловую и ритмичную роль играют отдельные жесты, обозначающие кульминационные точки в композиции и надолго задерживают наше внимание. Недаром исследователь Винкельман писал: "В "Афинской школе" Платон одним движением пальца говорит все, что нужно".

После смерти Браманте Рафаэль стал главным архитектором собора св. Петра.

Архитекторы итальянского Возрождения культивировали тип центрического купольного храма. Это прежде всего проявилось в грандиозном проекте собора св. Петра. Рафаэль обогатил архитектуру тем, что, будучи художником, ввел чисто декоративные, орнаментальные и живописные средства, которые время выступали на первый план (особенно в его знаменитых ватиканских лоджиях).

Для Венеции все XVI в. прошла под знаком чинквеченто. Сохранив свою независимость, Венеция дольше сохраняет и верность традициям Ренессанса.

Два больших художники этой эпохи - Джорджоне и Тициан - вышли из мастерской Джантеліано.

Самые известные картины Джорджоне (Джорджо Барбарелле да Кастельфранко, 1476 или 1477-1510 pp.) - "Мадонна Кастельфранко", "Гроза", "Спящая Венера", "Сельский концерт" - мифологические по сюжету. Новизна его творчества была обусловлена тем, что художник обладал тонкой и чрезвычайно богатой палитрой. Его зеленый цвет в "Грозе" имеет много оттенков, и все они объединены одним светлым тоном, что создает впечатление беспокойства, тревоги, радости - как сам состояние человека в предчувствии грозы.

Много поэзии и одухотворенности в изображении "Спящей Венеры", хотя оно не лишено и плотской принадливості. Ее тело изображенное легко, свободно, изящно - недаром исследователи говорят о "музыкальность" ритмов Джорджоне.

Гениальный художник венецианского Возрождения Тициан (Тиціано Вечеллио; 1476-1477 или 1480-те-1576 pp.) рисовал картины на христианские и мифологические сюжеты, был портретистом. Создал по заказу богатых венецианских патрициев огромные иконы ("Вознесение Марии"). У него был чрезвычайный колористический дар, неисчерпаемая композиционная изобретательность.

Тициан любил сюжеты, где можно было показать венецианскую улицу, красоту ее архитектуры, праздничную толпу ("Введение Марии во храм"). Дань духу античности он отдал разными вариантами "Данаи", в которых, точно следуя фабулы мифа, изобразил царевну, которая изнывает в ожидании Зевса, и служанку, которая жадно ловит золотой дождь. Даная идеально прекрасная согласно античного идеала (в ней много плотского, земного). А вот "Венера" уже окружена деталями, которые передают реальная жизнь, а не Олимп (бытовая сцена в интерьере, собачка в ногах, красивое лицо с широко открытыми глазами).

В многочисленных портретах Тициана всегда подчеркнуто благородство лицо, величественная осанка, сдержанность - это передается благородным за гаммой колоритом и скупыми деталями (портрет молодого человека с перчаткой; Пьетро Аретіко; дочери Лавінії). В них улавливается сложность характера и напряженность внутреннего состояния. Особенно драматические и противоречивые образы Тициан создает в пору зрелости (порой достигая шекспировской силы): портрет папы Павла III с племянниками Оттавіо и Алессандро Фарнезе. Такой сложный групповой портрет набрал развития лишь в эпоху барокко в XVII ст.



Назад