Электронная онлайн библиотека

 
 Культурология: украинская и зарубежная культура

Стиль рококо как искусство "галантной эпохи"


После смерти "короля-солнца" в 1715 г. на смену строгом придворному этикету пришли легкомыслие, жажда наслаждения, роскоши, но не таких неуклюжих, как в предыдущие сутки. В бурных веселье много бравады, предчувствие грядущих перемен.

Двор - уже не единственный коллекционер, возникают частные коллекции, салоны. На долгие десятилетия Франция становится во главе духовной жизни Европы. Уже в первой половине XVIII в., когда процесс вытеснения религиозной культуры светской был очень бурным, ведущим направлением во Франции стал стиль рококо (от "раковина", "рокайль").

Некоторые исследователи не считают рококо самостоятельным стилем, а лишь ответвлением позднего барокко, которое потеряло монументальность большого стиля. Однако рококо в "галантный век" Франции имеет свои особенности. Как порождение исключительно светской культуры, еще уже - двора, аристократии - это искусство, более камерное по сравнению с барочным, интимное, теснее связано с бытом, более искреннее. Мир миниатюрных форм не случайно достал свой главный выражение в прикладном искусстве - в мебели, посуде, бронзе, фарфоре, а в архитектуре - преимущественно в интерьере, где стремятся теперь не великолепия и величия, а приятного и удобного.

Класицистичні в экстерьере дворцы знати и богатой буржуазии, отели в интерьере богато украшались живописью, лепкой, позолотой, мелкой скульптурой, декоративными тканями, бронзой, фарфором, зеркалами, часто устанавливаемыми друг против друга, чтобы в них множилось, становилось фантастическим отражение. Многочисленные панно (краски картин прозрачные, светлые - серо-голубые, сиреневые, розовые, зеленоватые), лепной орнамент, шелк обоев, золото украшений, хрустальные люстры, удобные, хоть и причудливые, мебель с инкрустацией - все это искусство рококо строится на асимметрии, которая создает игривое, насмешливое, манящее чувство. Сюжеты только любовные, эротические - нимфы, вакханки, Дианы, Венеры, которые выполняют свои многочисленные "триумфы" и "туалеты". Даже в академических картинах темы любви - аллегории, темы исторические, мифологические, жанровые. Из Священного Писания выбираются преимущественно эпизоды, связанные с любовью: Сусанна и старцы, Сара приводит к Аврааму Агарь и т.д.

Но во всем этом празднично-бездумном искусстве кроется и новый шаг в направлении углубления интереса к интимного мира человека, к "свил" человеческой души, к сентиментализму. Остроумие, насмешка, легкая ирония раскрывали новые пласты взаимоотношений человека и мира, которые ранее не были предметом исследования искусства. Рококо как стиль дал новое развитие виражальним средствам. Мелкие формы, ажурные в декоре, ломаные ритмы изысканного менуету, хитроумные и изящные коллизии в комедиях Бомарше, популярный жанр романа в письмах "галантные празднества" и "пастушьи сцены" в живописи, пасторали в музыке - все это создает образ вполне определенной эпохи.

Первым великим мастером рококо был художник Жан-Антуан Ватто (1684-1721), pp. который начинал с подражания фламандцев ("Савояр" - мальчик с Савойских гор, что идет на заработки). Однако в дальнейшем его главным сюжетом стали галантные празднества - аристократическая компания в парке музичить, танцует, прогуливается. Никакого действия, никакой фабулы - мир беззаботной жизни, переданный с изящной грацией немного ироничным наблюдателем ("Вередниця"), иногда меланхолично ("Праздник любви", "Общество в парке", "Затруднительное положение"). Все оттенки любви передаются в цвете оттенками тонов или их смешиванием (колорит - одна из самых сильных качеств таланта художника - построен на тонких нюансах серых, коричневых, бледно-сиреневых, желто-розовых тонов).

Театральность, характерная для всего искусства XVIII ст., в Ватто оказалась особенно четко. Один из крупнейших произведений, завершенных незадолго перед смертью, - "Паломничество на остров Цитеру", где кавалеры и дамы отправляются на остров любви, делает зрителя как бы соучастником зарождению чувства, его нарастания. И передано это цветом - мерцающим светом, который разбивается на блики. Ирреальность, фантастичность изображения - цель художника. Но это не любовь, а игра в любовь, театр. Вся картина - словно театральный кон. Театром и было всю жизнь общества, которое рисовал Ватто. Он хорошо знал жизнь настоящего театра, рисовал актеров итальянской и французской комедии ("Жиль").

Самый реалистичный произведение Ватто - "Магазин Жерсена". В правой части картины разговаривают кавалеры и дамы, которые зашли в антикварную лавку, в левой - составляют в ящики картины, среди которых и портрет Людовика XIV - "короля-солнца". "Нет ли здесь мнения о мимолетности жизни, славы, власти и вечность только искусства?" - спрашивают искусствоведы.

Истинным представителем французского рококо считают Франсуа Буше (1703-1770 pp.) - "первого художника короля", как его величали, директора академии. Гедонизм, присущий рококо, Буше довел до полного пренебрежения рациональным, умным. Он умел делать все: панно, картины, театральные декорации, книжные иллюстрации, рисунки вееров, каминных часов, карет, эскизы костюмов и т.д. Темы - религиозные, мифологические, пейзанські пейзажи - все это пасторальне, идиллическое и при этом выражает откровенно чувственное наслаждение жизнью ("Триумф Венеры", "Туалет Венеры", "Венера с Амуром", "Венера с Вулканом", "Купание Дианы" и др.). И хотя его героиня - бело-розовая богиня Флора в пастушьей наряде, - это аристократка, парижанка.

Во второй половине жизни Буше стал объектом жестоких нападок теоретика эстетических идей Просвещения Дидро, который видел в нем олицетворение всех бед, с которыми боролись просветители.

Искусство Ватто и Буше во второй половине века, когда идеалам рококо, как и самому заказчику этого искусства, уже по сути был вынесен приговор (ибо это время подготовил господства буржуазных ценностей), продолжил блестящий мастер, живописец-импровизатор, художник редкого таланта, фантазии, темперамента Жан-Оноре Фрагонар (1732-1806 гг.). Свет и воздух, нежные, изысканные сочетания голубых, розовых, палевых тонов наполняли его картины, он работал во многих жанрах, изображая в основном галантно-любовные сцены ("Поцелуй украдкой", "Счастливые возможности качелей").

Портреты многих художников этого времени - в основном женские - прославляют своих знатных героинь (Луи Токке, который приезжал в Россию и нарисовал портреты Єлизавети Петровны и многих знатных дам; Жан-Марк Натьє, который рисовал парижанок) в образах богинь, муз, нимф, весталок, которые потеряли классическую величество, кокетливых, игривых, пикантных.

Подобные вкусы, однако, под влиянием Просвещения и грядущей новой эпохи постепенно менялись.

В архитектуре началась стилизация греческого искусства, хоть и несколько романтизированная. Модным стал английский ландшафтный парк - полная противоположность регулярном французском. Он должен быть таким, чтобы казалось, будто его не тронула рука человека. Мостики и хищные возникали в нем будто ненароком, руины наводили на размышления. В орнаментике тоже преобладали греческие мотивы - меандр, пальметы, гротески. Если в Малом Трианоне в Версальском парке видим классические черты, дополнены, однако, лиризмом и интимностью, то уже через год в начатой в Париже церкви св. Женев'єви (с 1791 г. - Пантеон, место погребения знаменитых людей Франции) усиливается героическое начало.

В Италии расцвет наблюдается только в Венеции. Она уже перестала быть полновластной хозяйкой Средиземного моря, потеряла богатства, восточные владения. Но она избежала гибели от руки чужеземных наемников и сохранила республиканский строй. Это создало условия для процветания культуры.

Венеция XVIII ст. - центр музыкального (оперные театры, музыкальные академии и консерватории) и театрального (Гольдони, Гоцци) жизни Европы, книгопечатания, склоробства ("венецианское стекло"). Она славилась своими праздниками, регатами, а главное - маскарадами, которые длились почти целый год (за исключением поста). Эта театрализация жизнь наложила отпечаток на искусство Венеции. Спрос на декоративное разрисовка дворцов венецианской знати и картины - алтарные образы для церквей - вызвал необычайный развитие монументально-декоративной живописи, который продолжил традиции барокко (темпераментное искусство Себастьяна Риччи, жанровые мотивы Джованни Батисты П'яцетти).

Венеция этого века дала миру замечательных мастеров ведути - городского архитектурного пейзажа (Антонио Каналетто, Франческо Гварди - "Венецианский дворик", например) - жанровой живописи, который воспроизводил концерты, уроки танцев, маскарады (Пьетро Лонги).

Венеция оставалась со времен Возрождения самым привлекательным городом Италии и центром театральной жизни. Это был город развлечений. Венецианский карнавал, который, казалось, длился целых полгода. В городе постоянно работало несколько театров. Сюда приезжали увидеть Италию "старых добрых времен".

Комедия масок превратилась уже на музейную зрелище - актеры ее, как мы знаем, были імпровізаторами, и их мастерство не предусматривала заучивания литературного текста. Кроме того, каждый из них всю жизнь играл одну маску, ему трудно было создавать различные образы.

Реформатором итальянского театра стал Карло Гольдони (1707-1793 гг.). Он написал много пьес (однажды в сезон 1750-1751, pp. выручая театр, что попал в материальной нужде, он создал шестнадцать комедий!), воспитал и перевоспитала целое поколение актеров. Задача театра Гольдони усматривал в изображении и высмеивании негативных обычаев, считая, что комедия должна быть школой морали. В пьесах он изображал конфликты между героями и решал их, создавал различные ситуации, которые приводят к недоразумениям. Но при этом - как исследователь человеческой природы - изучал человеческие характеры и сложные человеческие отношения. Гольдони иногда называл свои произведения "комедиями среды". Его герои появляются, исчезают, ссорятся, плетут интриги. Ощущение вечности жизни, неустанного его течения не исчезает ни на мгновение. Уже в ранней пьесе "Слуга двух господ" Гольдони, создав образ Труфальдино, сделал уверенный шаг вперед к усложнению образов комедии дель арте. Драматург соединил в одном своему герою и ловкача, и благодушного недбальця, то есть характер Труфальдино весь соткан из противоречий. Этим было положено начало ряде внутренне контрастных, богатых неожиданности и вместе с тем последовательных характеров (Мирандолина в "Хозяйке заезда", прожигатель-колбасник в "Самодурах" и др.). Сам тип комедии обычаев, созданный Карло Гольдони, был по-своему уникальным в середине XVIII ст.

Но его славу очень-таки пошатнули ф'яби (театральные сказки) Карло Гоцци (1720-1806 гг.): "Любовь к трем апельсинам", "Турандот", "Король-олень", "Женщина-змея" и др. Гоцци считали ретроградом. Он был теоретическим и художественным противником просветительского культа разума, выступал за старый, феодальный строй, за то, чтобы каждый социальный слой знал свое место, и народные комедии Гольдони казались ему недопустимыми уже потому, что автор выводил на сцену низы общества в качестве равноправных героев спектакля. Гоцци не шел за новыми людьми ни в чем - ни в мыслях, ни в укладе жизни, ни даже в одежде. Венецию он любил за то, что она "населена духами прошлого". Это не было метафорой, он искренне верил в существование духов и на склоне лет все свои многочисленные бытовые тяготы объяснял тем, что духи мстят ему за то, что он раскрыл людям их тайны.

Гоцци хотел вернуть на импровизированную сцену комедию, и хотя традиции комедии дель арте оказались плодотворными и живучими вплоть до наших дней, сам Гоцци создал по сути новый жанр, хотя и связан с комедией масок. На него очень повлияла традиция французского ярмарочного театра. Иногда он переходил к притче, время полностью отдавался житейской логике образов. Иногда Гоцци апеллировал к колдовству, иногда вполне реалистично мотивировал явления. Гоцци любил гротескный шутка, но в то же время подносил зрителю аллегорию величественной морали, давал модели героического надкохання и т. п.

Консерватор и моралист, Гоцци искренне любил искусство и имел огромный талант, а потому он интересен и нашему времени.

Как видим, духовная культура этого периода сложная и неравномерная. Свойства художественного восприятия жизни - интимность, лиризм, но и острая наблюдательность, проникновение в человеческие страсти и характеры - принесли новые открытия, заметно развили мировую художественную культуру. Однако следует признать, что это было достигнуто ценой потери универсальной полноты в изображении духовной жизни, целостности в воплощении эстетических взглядов общества, свойственных искусству предыдущих лет.



Назад