Электронная онлайн библиотека

 
 Культурология: украинская и зарубежная культура

Стиль модерн в России


Первая половина 90-х годов - время широкое распространение стиля модерн в российском живописи. Как и импрессионизм, стиль модерн в российском живописи приобрел "стертого", непроявленного характера, не подал такой стилевого единства, как в других странах. Главная причина этой неопределенности содержалась в той особой ситуации, возникшей в конце XIX - начале XX века как следствие того, что русское искусство за короткий срок проходило разные этапы. Тогда одновременно существовали различные художественные направления: а) в 90-е годы И. Репин, В. Суриков и другие мастера передвижничества развивали свои личные принципы реализма; б) много живописцев продолжали усваивать импрессионизм (К. Коровин) и именно в 90-е годы достигли серьезных результатов, создав свой национальный вариант этого живописного метода; в) большим успехом у широкой публики пользовался академическая живопись. Эти различные направления влияли друг на друга. Стиль модерн, формируясь, принимал участие в их взаимодействия. В потоке разнообразных движений модерн не смог приобрести доминирующей позиции, но это никак не снижает качества произведений, которые несут в себе современные черты. Если же говорить о количестве таких произведений, то их немного. Несмотря на наличие разнообразных исходных точек движения к стилю модерн, в этом движении есть общая закономерность. Начиная с натурного восприятие мира, развивая пленэр, большинство живописцев, как правило, не доводя эту тенденцию до полного выражения, обращаются к разнообразных форм живописной условности.

В этом отношении показателен путь В. Серова. Ученик Репина, он вобрал традиции реалистического портрета 80-х годов, но в ранние годы был захвачен и импрессионизмом. Многие из его работ 80-х годов ("Девочка с персиками", "Портрет Маши Симонович") можно считать импрессионистскими. Однако дальше его импрессионизм становится сдержанным, одноцветным, а в 90-е годы в его творчестве появляются черты модерна. Наиболее полно штрихи стиля отражались в работах. Серова "Портрет Иды Рубинштейн" и "Похищение Европы".

В. Серов писал Иду Рубинштейн в Париже во время "Русских сезонов", где актриса танцевала в "Шахеризаді" Фокина, а Серов изготавливал специальную занавес к этому спектаклю. Образ, созданный Серовым, был исключен из будничного, бытового, повседневного. Это был образ человека-артиста и искусства одновременно. Живописно-графический образ Иды Рубинштейн сложился не только благодаря экстравагантному позе (художник посадил ее на своеобразный помост-постамент, развернул корпус на древнеегипетский манер и окружил голубым и зеленым драпировкой), не только благодаря вызывающе-страждальному выражения лица, но и в силу особенностей линейных контуров, точные соотношения цветных пятен. Возник очень сложный образ, в котором причудливо переплелись черты монументальности и модернистский гротеск, существует значительное психологическая выразительность. Модерн в творчестве. Серова хранил неповторимый опыт живописного реализма и будто искал себе оправдания в жизненной правде.

После поездки в Грецию 1907 года, Серов обратился к историко-мифологического жанра ("Похищение Европы", "Одиссей и Навзікая"). В "Похищении Европы". Серов удивительным образом соединил божественно-человеческий жест и взгляд быка Зевса с живым пейзажем и трогательно-непосредственным жестом девушки-Европы, которая балансирует на могучей спине своего похитителя.

Другой отправной точкой движения художников до стиля модерн были поиски монументально-декоративной языка в живописи. Этим путем до модерна пришли М. Врубель, В. Васнецов, Г. Нестеров. Как художник-монументалист М. Врубель сформировался в Киеве, когда на просьбу Прахова изучал и реставрировал фрески Кирилловской церкви, а позже создавал эскизы росписей Владимирского собора. М. Врубель тяготел к философски углубленного, целостного отношения к миру, отвлекаясь от конкретно-исторического и социального ради вечного, духовного. Он всегда пытался заглянуть в середину вещей, в их строении, природу, постичь их душу. Эскизы росписей Владимирского собора в Киеве были настолько необычными, нетрадиционными, новаторскими, что для росписей были приглашены В. Васнецова и М. Нестерова.

Особенностью русского модерна оказалось также то, что на него практически не повлияли Япония и Китай, как это было в европейских странах. Роль Востока в России играл Кавказ, куда с давних давен устремлялись взоры многих русских поэтов и художников. Восход присутствует в России в самой ее истории, он был органичной частью ее культуры. Старое русское искусство: архитектура, одежда, бытовые вещи - уже сами по себе были азиатскими (хотя бы с точки зрения Европы) и вполне соответствовали стилистическим принципам модерна. В этом смысле собор Василия Блаженного с его "пряничною" орнаментальной, многоцветной и в то же время и "органической" красотой - это модерн. А старые российские терема с декоративностью их наряды! Даже обычная русская изба с деревянной резьбой ставни, двери и крыльца была способна вдохновить любого архитектора модерна, а что уж говорить о лубок, народные росписи, игрушки. Художникам и архитекторам, представителям русского модерна, которые сгруппировались вокруг княгини М. Тенішевоі в Талашкіно или вокруг С. Мамонтова в Абрамцево, не приходилось придумывать ничего, ничего заимствовать из других культур. Они просто немного трансформировали народное искусство и получили русский модерн. Терем в Талашкіно - это не столько стилизация, сколько вариант дома, дома, так сказать, "авторской", "профессиональной" в отличие от многочисленных "народных", "неавторських" домов. С. Малютин проектировал здания в сказочно-русском стиле и создавал целые ансамбли интерьеров, где по его проекту были выполнены все мебель. Балалайка, что ее расписал М. Врубель, - это авторская балалайка в отличие от бесчисленных вещей сельского быта, рисованных неизвестными мастерами.

Мы уже отмечали, что вообще русский модерн не отличается такой чистотой стиля, как европейский. В. Серов, несмотря на свою модернистское "Иду Рубинштейн" и "Похищение Европы", относится все же к обычному реализма. Гениальный М. Врубель, казалось бы, классический представитель модерна, что стоит у его истоков, - шире от стилистических рамок модерна.

По книжной и журнальной графики - то здесь российские художники были значительно ближе к классического модерна (И. Билибин, О. Бенуа, Есть. Лансере, Г. Якунчикова, Г. Добужинский, Л. Бакст). Большую роль в формировании языка "модерна" в книжной графике сыграл журнал "Мир искусства", что его выдавали с 1899 по 1904 год. Журнал нашел свой неповторимый стиль: красивый, сочный печать текста и иллюстраций; необычно высокий художественный уровень графики - виньеток, заставок, концовок, больших букв, рукописных шрифтов, конструктивное построение листа, оберток. Классикой книжной графики стали иллюстрации В. Бенуа до "Медного всадника", что их было опубликовано в последнем номере журнала.

По-настоящему русский модерн засиял на театральных подмостках, что их обошли художники Европы. В амплуа театральных художников Л. Бакст, О. Бенуа, Г. Добужинский, В Головин, Г. Рерих не имели себе равных среди современников.

Модерн и театр совпали в своих основных принципах, в своей глубинной сути. Театр просто нуждался модерна, а модерн нуждался театра. Модерн насквозь театральный, если под театральностью понимать иллюзию жизни. И театр, в свою очередь, - это всегда игра - то, что лежит в основе модерна. Модерн первоначально тяготел к зрелищного, декоративного в смысле богатства и разнообразия форм, линий, цветов. Оба они - и театр, и модерн - склонны к романтизму, демократические, то есть требуют массового зрителя, а не одного наблюдателя, они синтетические. Театр объединяет музыку, живопись, актера, а модерн пытался соединить архитектуру, живопись и декоративно-прикладное искусство.

Вершиной достижения русского модерна стали "Русские сезоны" в Париже десятых лет - этот триумф театра, музыки, изобразительного искусства России, всколыхнувших европейские вкусы. Яркие достижения российской культуры времен ее "серебряного века" во многом связаны с "міріскусниками", которые были людьми хорошо образованными и широко мыслящими. Современность они воспринимали не "мгновенно", а в мощном контексте исторического сознания. Такой концептуальный подход помог им вывести отечественное искусство на арену Европы и создать ему неслыханный ранее международный авторитет.

Объединения художников "Мир искусства" выросло с гимназического, а потом студенческого кружка, что группировался вокруг младшего сына известного в свое время архитектора М. Бенуа - Александра Бенуа. В него входили Д. Філософов, В. Нувель, К. Сомов, Л. Бакст, С. Дягилев, Есть. Лансере, позже присоединился М. Добужинский. Для этого объединения присущи:

а) попытки приобщиться к мирового художественного процесса. В 1895-1996 годах В. Бенуа, Есть. Лансере, Л. Бакст, К. Сомов и другие учатся живописи в частных заведениях Европы. Популярными в то время были парижские студии Уистлера, Кормона, Жюльена, а также школы Ашбе и Холоши в Мюнхене. С 1897 года "міріскусники" устраивают многочисленные выставки английских, немецких, французских и скандинавских художников, знакомят русскую интеллигенцию с современными достижениями западноевропейских стран;

б) тяготение к синтетического постижения явлений культуры, изучения не только живописи, но и литературы, музыки, театра, истории религий. Эта ширь постижения искусства в дальнейшем окажется в деятельности журнала "Мир искусства", в "Русских сезонах" в Париже, в проектах монументально-декоративных росписей совместно с архитекторами;

в) обращаемость в основном к прошлому, за что художники этого объединения получили название "ретроспективные мечтатели". Но, вдохновленные прошлыми эпохами (О. Бенуа - время Людовика XIV и Петровской эпохой в России; Есть. Лансере - эпохой Петра И Єлизавети Петровны; К. Сомов был очарован XVIII веком; М. Добужинский воспевал старый Петербург; Л. Бакст предпочитал античным мотивам), эти художники вкладывали в свои работы чувства и размышления человека начале XX века и пользовались современными живописными приемами.

Если О. Бенуа был идейным руководителем движения, то С. Дягілеву выпала роль накопителя, организатора художественных сил. Именно ему принадлежат идеи "Русских сезонов" в Париже.

В 1906 году "міріскусники" выходят на международную арену. С. Дягилев с присущей ему энергией устраивает грандиозную выставку русского искусства в Париже и Берлине, решает кратко и ярко показать историю развития изобразительного искусства в России от икон до современных художников: Г. Врубеля, В. Серова, К. Коровина, Л. Бакста и т.д. Вообще на выставке было более чем 700 произведений. Она пользовалась необычайным успехом.

В 1907 году в Єлисейському дворце было сыграно пять концертов русской музыки от Ф. Глинки до Скрябина с участием Римского-Корсакова, Рахманинова, Глазунова. В следующем году С. Дягилев привез оперы "Борис Годунов" с Ф. Шаляпиным, "Псковитянку", "Золотого петушка", "Князя Игоря" в постановке О. Санина - человека, чье имя такое же крупное в истории "Русских сезонов", как и будь-кого из балетмейстеров.

В 1909 году начинаются сезоны русского балета, в которых завоевали успех Т. Карсавіна, В. Нежинский, А. Павлова, С. Федорова, Г. Мордкін и В. Каралли. Эталоном балета стали "Лебедь" Павловой, "Призрак розы" Нежинского и Корсавиной. Работы Л. Бакста, О. Бенуа, В Головина, Г. Рериха в постановках "Русских сезонов" - одна из самых ярких страниц в истории "Мира искусства".

Время модерна как большого стиля длился недолго. Его стилевые формы легко разменивались на мелкую монету, приобретали прикрашального характера, этажности. Они перекочевали на афише, рекламы, почтовые карточки, журнальные иллюстрации. Но тяга к красоте, гармонии человека и природы, к поискам монументально-декоративных форм, способных естетизувати, превращать именно человеческую среду на благороднее, поэтически-целостный взгляд на мир, открытое противопоставление техницизма, что зарождался, придавали этому стилю привлекательности и неповторимости, сделали его загадкой, что влечет художников XX столетия.



Назад