Электронная онлайн библиотека

 
 Культурология: украинская и зарубежная культура

Авангардистский живопись: драматизм вхождение нового в культурный процесс


В изобразительном искусстве при всем разнообразии его течений прослеживаются две тенденции: поиск новых форм реализма и отход от принципов той реалистической системы, которая была присуща европейскому искусству еще с эпохи Ренессанса. Это модернистское искусство, которое каждый раз выступает с позиций открытие новых путей и поэтому объявляет себя авангардом.

Отход от реализма особенно проявился в изобразительном искусстве Франции, ставшей родиной фовизма, кубизма, дала своих дадаистов и сюрреалистов, абстракционистов. Экспрессионизм больше всего развился в Норвегии и Германии, футуризм - в Италии и России. Российские художники стояли возле источников и абстракционизма, и сюрреализма.

В 1905 г. на выставке в Париже художники Анри Матисс, Андре Дерен, Морис Вламинк, Альбер Марке и другие демонстрировали свои произведения, которые за резкое противостояние цветов и упрощенность форм критика назвала произведениями "дикарей" (фр. les fauves), а весь направление получило название "фовізм".

Найяскравішім с фовисты был Анри Эмиль Бенуа Матис (1869-1954 гг.). Его полотна отличаются необычностью образов и удивительной яркостью красок. Основной элемент его искусства - интенсивный цвет ("Женщина в шляпе", "Осенний салон"). "Цвет должен быть выразительным, - говорил художник. - Я просто кладу краску, которая выражает мои чувства". Наиболее значимые два его панно: "Танец" и "Музыка". Лишь три цвета использует мастер: красный, синий, зеленый. В огненной яркости и предельном лаконизме этих картин чувствуется первоначальная дикость и чувственность человечества. Хоровод изображает не конкретный танец, а саму идею танца, потому что фигуры изображены не как конкретные женщины, а как человеческие существа вообще. И рядом с исступлением "Танка" - тишина и неподвижность "Музыки". Те самые пять фигур, они так же увлечены пением, как фигуры в "Танке". В их расположении есть определенный ритм, что в дальнейшем наряду с цветом становится душой живописи Матисса. Чаще всего художник изображает простые вещи: клетчатые ткани и кресла, цветы, женское тело. Его не интересует передача освещения, объем, пространство. Но он отчетливо передает отмечены характерные позы, жесты, даже психологическое состояние ("Семейный портрет"). Его живопись звучный, декоративный, жизнерадостный, хотя в 1949, p. во время войны, он создал натюрморт "Ракушка на черном мраморе", полон драматизма. Контраст черного фона и светлых предметов, которые безразлично стоят рядом, острые углы напряженно изогнутой ракушки вызывают чувство скрытой трагедии.

Много общего с Матисом в Амедео Модильяни (1884-1920 гг.): лаконизм и утонченность линий, четкость силуэта, обобщения. Но монументализма, присущего Матісу, в Модильяни нет - он более камерный, інтимніший.

Самой сложной авангардистською течению стал экспрессионизм. Сложился он в Германии, хотя своими предшественниками немецкие экспрессионисты считали бельгийского художника Джеймса Энсора с его основным мотивом творчества - масками и скелетами, выражением ужаса перед действительностью, а также норвежского художника Эдварда Мунка (1863-1944 гг.). Картины последнего критика назвала "криками времени". Символические его произведения - то ли "Танец жизни", "Ревность", "Женщина", то ли "Пепел" - это всегда сгусток человеческих чувств и взаимоотношений. Зачастую толчком для этих работ является литературное произведение, иногда в их основу ложатся и жизненные наблюдения. Наиболее значимым в этом плане был "Фриз жизни" - цикл, к которому художник возвращался всю жизнь, стремясь передать именно жизнь "со всеми его призраками, все его вариации, его радости и печали; пессимистические и оптимистические аспекты бытия". Поэтому же его картины критика и назвала "криками времени".

Начало экспрессионизма как художественного направления был положен в 1905 г. организацией объединения "Мост" студентами архитектурного факультета Высшего технического училища в Дрездене. В геометрически упрощенных формах, через полный отказ от передачи пространства, через незгармонізовані тона Е.Л. Кирхнер, Е. Хенкель и другие передавали свой ужас перед современным и будущим, ощущение собственной неполноценности, безнадежности и беззащитности в мире. И все-таки это вызвано к жизни сильными чувствами искусство было холодным и раціоналістичним. В нем уже проявилась одна из основных качеств авангардистского живописи - ее рациональность, обращенность к разуму, а не к чувствам зрителя.

Объединения "Синий всадник" (Альфред Кубина, Оскар Кокошко), что образовалось вслед за "Мостом", распалось перед первой мировой войной, а его антиматеріалізм и антиреалізм, отбросив еще живы традиции импрессионизма, были направлены к абстрактному искусству. Надо помнить, что экспрессионизм повлиял на многих художников, которые не принимали современного мира, отрицали его.

Становление другого направления авангардизма - кубизма связано с творчеством французских художников Жоржа Брака и Пабло Пикассо. Пабло Пикассо (Руис-и-Пикассо, 1881-1973 pp.) вообще наиболее ярко выразил общую тенденцию искусства эпохи и был центральной фигурой в западном художественном мире первой половины века.

Период с 1901 по 1907 гг. в творчестве Пикассо называют последовательно "голубым" (1901-1904 гг.) и "розовым" (1905-1906 гг.). Картины первого периода, главные герои которых - нищие, бродяги, акробаты-циркачи, путешественники, отмеченные печатью усталости и обреченности. Они изображены в сине-зеленой гамме, тела их удлиненные, контуры сломаны. С 1905 г. - персонажи те же, но пространство картины заполнился розово-голубоватым, розово-серым или золотистым покрывалом, контуры рисунка мягче, настроение более лирический ("Девочка на шаре").

Полотно Пикассо "Авіньйонські девушки" начинается собственно период кубизма, который западная критика назвала "революционным переворотом, равного которому не было со времен Возрождения". С кубизмом было своего времени связано много художников, но в творчестве Пикассо и Брака эксперименты кубизма получили наиболее завершен выражение. Немало формальных проблем кубизма намечено именно в "Авіньйонських девушках". Изображая пять обнаженных женщин, Пикассо предлагает невиданное до тех пор трактовка человеческой фигуры и ее форм. Неестественно плоские, неуклюжие, с искаженными пропорциями тела, похожие на маски лица, повернутые в сторону неправдоподобно тонкие носы. При этом лица изображены в фас, носы в профиль или одновременно в разных ракурсах одна и та же фигура. Фигуры женщин вроде бы составлены из отдельных геометризованих плоскостей и упрощенных объемов. "Я спрашивал себя, - говорил некогда художник, - не надо быстрее изображать вещи такими, какими их знают, чем такими, какими их видят". То есть в "Авіньйонських девушках" художник словно обнаружил конструкцию тел изображенных женщин, показал, из которых геометрических плоскостей состоят головы, носы, уши, тела.

Вокруг Пикассо и Брака собирается группа художников и поэтов, прозванная "Плавучей прачечной" (так назывался дом на Монмартре, где в то время жил Пикассо).

Следующим этапом был кубизм аналитический, когда предмет изображают не только с разных сторон, а изнутри, показав один план сквозь поверхность другого, поэтому в картинах этого периода, изображения, как правило, полупрозрачные. Далее наступил кубизм синтетический, в котором цель художника - "создать новый предмет, несравнимый ни с каким другим предметом действительности". А если это так, то общение с натурой в процессе творчества становится необязательным. Произвольно конструируя формы предметов, художник вполне может положиться на субъективное представление о ней, на свою память.

Пикассо отдал должное классицизма ("Мать и дитя", портрет сына Поля, иллюстрации к "Метаморфозам" Овидия), сюрреализма ("Женщина, которая плачет"). Но главный его произведение - "Герника", в котором, несмотря на деформации, сложные аллегории и символы, художник выразил ужас, безумие, отчаяние, трагедию мира, что уходит в небытие. 26 апреля 1943 г. маленький испанский городок Герника фашистскими бомбами было сметено с лица земли, несколько тысяч людей погибли под его развалинами. Это событие потрясло Пикассо. Конечно, в "Герніці" нет ничего от конкретного города басков, нет ни самолетов, ни убийцы. Посреди ночи, посреди черепов и костей, символов смерти, гибнут люди, в предсмертных корчах вздрагивают лошади. Расширенные глаза лиц-масок видят только мертовне свет, искореженные обломки: таким, возможно, видели этот мир люди, которые погибали под ними. Трагическая античная маска со светильником, которая врывается в этот хаос и орет от боли и ужаса, не случайно воспринимается как символ музы художника. Свет, разорванное на плоскости, напоминает зловещее лучи прожектора концлагеря. Хаос разрушения Пикассо передал благодаря деформации, к которой он прибег. После второй мировой войны эта картина вообще воспринималась как пророчество. Выдержанное в основном в белых, черных и синих тонах, полотно отчетливее какие многоцветные картины.

Влияние формальных приемов кубизма сказался на одной из течений раннего модернизма - итальянском футуризмі. Его фанатичным сторонником и популяризатором был поэт Ф.Т. Маринетти. В распространяемом ним в Европе "Манифесте футуризма" сообщалось о смерти искусства прошлого и рождения футуризма как искусства будущего. В Маринетти нашлись единомышленники среди художников - В. Боччони, Дж. Балла и др. Футуристы считали, что они открыли новую красоту - красоту современного мира, которую представляют фабрики и железной дороги, машины и самолеты, рокот моторов, скорость (В. Боччони - "Шум улицы проникает в комнату", "Механизм улице"; Дж. Балла - "Пластичность света + скорость").

Футуристы любовались миром, где все движется и непрерывно изменяется, динамичной толпой, машинами, которые несутся на больших скоростях, феерией электрических огней. Они поставили себе цель воссоздать в живописи этот динамизм, причем динамизм не только улицы, но и человеческой души и тела (В. Боччони - "Состояние души, И: днем"). Для этого они хотели развязать неразрешимая средствами живописи задача - воспроизвести движение само по себе, движение как таковое. Конь, который бежит, твердили футуристы, имеет не четыре, а двадцать ног, - и все двадцать ног пытались изобразить, то есть перенести на холст несколько моментов движения одновременно. И здесь им на помощь пришел кубизм. Позаимствовав его опыт, они разложили движущийся предмет на отдельные элементы и прибегли к близких к абстракции или полностью абстрактных комбинаций полупрозрачных планов и объемов. Так они хотели передать иллюзию динамического ритма. Стремление передать движение вызвало изменения в цветном и композиционном решении. Цвет стал едучим, дисгармоничным, композиция несобранной.

"В отличие от других европейских авангардистских течений, футуризм не ограничился сферой эстетики, а перешел на ниву политики и морали", - писал о футуризме историк итальянского искусства Гвидо Балло. Манифесты футуристов призвали разрушать музеи и библиотеки, они приветствовали войну (как единственно возможно гигиену мира), милитаризм и анархию.

Наиболее крайняя школа - абстракционизм сложилась как направление в 10-х гг. нашего века. Его основоположниками стали художник Пит Мондриан (родом из Голландии), Василий Кандинский (родом москвич) и Казимир Малевич (из Украины). Теоретики абстракционизма выводят его от Сезанна через кубизм. Французский критик и художник М. Сефор дал такое определение этой течения: "Я называю абстрактным любое искусство, которое не содержит ни одного напоминания, ни відзвуку действительности, все равно, была не была ли эта реальность исходной точкой для художника". Сефор так и называет абстракционизм - "беспредметным" искусством.

В. Кандинский (1866-1944), pp. который в 10-е гг. полностью порвал с натурой и создал около ста преимущественно абстрактных полотен, объяснял свою художественную манеру тем, что "когда религия, наука и мораль разлагаются, когда внешние опоры грозят рухнуть, тогда человек отвлекает взгляд от внешнего мира к духовному, к передаче "чистого", независимого от материи духовной жизни". "Чистые" цвета и линии могут передать внутреннее "духовное звучания", необнаруженных чувства и предчувствия. В книге "Язык формы и цвета" художник объяснил, какой цвет, линия, форма отвечают в его представлении определенным душевным состояниям: желтый - цвет безумие; синий - зов в бескрайние просторы, пробуждение влечения к чистой; зеленый - символ идеального равновесия; фиолетовый несет в себе нечто болезненное, затихающее и т. д. Линия так же символическая, как и цвет: горизонтальная - пассивная, женская, вертикальная - активная, мужественная. Богатое воображение, очень тонкое чувство колорита в Кандинского воплощались в приятные для глаза, насыщенные, динамические цветные композиции ("Импровизация", 1912 г.). Художник активно интересовался проблемами сближения цвета с музыкой. Исследователи считают, что В. Кандинский - последний представитель литературно-психологического символизма, подобно А. Моро во Франции и М. Чюрлениса в Литве, и вместе с тем первый художник-абстракционист.

П. Мондриан (1872-1944 pp.) сначала был связан с кубизмом, доведя его принципы до простого чертежи на плоскости. Группа его последователей в Голландии, объединившихся вокруг журнала "Стиль", провозгласила создание универсального образа мира с помощью ... прямоугольников различного цвета, отделенных друг от друга линией. Мондриан был буквально заполонен культом равновесия вертикалей и горизонталей и разорвал все связи с журналом "Стиль", когда тот ввел в 1924 г. как компонент внятной речи угол на 450. На его полотнах не было ничего, кроме черных прямых линий и трех чистых цветов - красного, синего, желтого, а иногда и просто белой плоскости, разделенной двумя-тремя линиями ("Композиция", 1921 г.). Трудно поверить, когда видишь картины Мондриана, что он работал над ними много месяцев, а то и лет - долго думал над каждой линией, сдвигая их на сантиметр или миллиметр в ту или иную сторону. Мондріану принадлежит утверждение: " ... нет ничего более конкретного по линии, цвет, плоскость". В 40-е гг. оно было подхваченное итальянскими "конкретистами".

Казимир Малевич (1878-1935 pp.) соединил импрессионистический абстракционизм Кандинского и геометрический абстракционизм Мондриана в изобретенном им супрематизмі (от фр. supreme - самый высокий). В своих теоретических работах он говорил, что в супрематизмі "о живопись не может быть и речи, живопись давно изжил себя и сам художник - предувереніе прошлого". В стремлении абсолютной "чистоты чувств" он создавал композиции из черных, красных и белых квадратов. Его "Черный квадрат" вошел в историю как самый высокий выражение крайностей модернистского искусства. В 30-е гг. Малевич вернулся к фигуративной живописи в реалистических традициях ("Девушка с красным древком").

Особое направление абстракционизма - променізм - наиболее ярко представлен в творчестве Михаила Ларионова и Натальи Гончаровой. Все предметы эти мастера видели как сумму лучей, а художник, по их мнению, был призван найти сечения в определенных точках лучей, то есть самые выразительные линии.

В 40-е и послевоенные годы абстракционизм переживает новый расцвет. Еще в 1937 г. в Нью-Йорке создан музей беспредметной живописи, основан семьей миллионера С. Гугенхейма, а в 1939 г. - Музей современного искусства, на средства Рокфеллеров. Во время второй мировой войны и после нее в Америке вообще собрались все ультралевые силы художественного мира. "Звездой" в этот период считался Джексон Поллок, автор термина "дриплінг" - разбрасывание красок на холст без кисти. Это называется абстрактным экспрессионистской живописью. Так же называются и "сеансы творчества" Жоржа Матье, который сопроводил их маскарадними переодеваниями и музыкой и называл эти творения вполне сюжетно (например, "Битва при Бувіні").

Одной из авангардистских течений, которые появились в первое десятилетие XX ст., но живут и поныне, стал сюрреализм (от фр. surrealite - сверхреальное). Этот термин впервые прозвучал в 1917 г. в предисловии Аполлинера до своего произведения, хотя он не был поэтом сюрреализма. Однако сюрреализм возник не сам по себе, а на почве дадаизма (от фр. dada - игра в лошадки).

Дадаизм родился в разгар первой мировой войны в нейтральной Швейцарии, в своеобразном художественном клубе под названием "Кабаре Вольтер". Поэтов и художников из разных стран, в основном эмигрантов, объединила ненависть к войне, к паразитирующей на кровавой бойни системе отношений. Своим врагом они считали любой авторитет, будь-яку традицию и даже само искусство. Дадаїсти не выдвигали никаких идеалов. "Мы просто издевались над всего, - писал Георг Грос, - для нас не было ничего святого, мы плевали на все, и это было дада". Это было "художественным хулиганством": по мнению дадаистов, можно рисовать картины в темноте, не различая красок на холсте и палитре (Г. Рихтер), делать автоматические, бессознательные рисунки (Г. Арп), демонстрировать утюг с припаянными шипами, ночной горшок и писсуар. Они даже объявили любое изделие произведением искусства, если художник вырвал его из обычного для него среды и дал ему имя (например, оконная рама Дюшана, затянутая вместо стекла черной кожей, превратилась в вдову).

На почве дадаизма и сначала лишь как литературное течение, и возник сюрреализм. В 1924 г. вышел его первый манифест. До сюрреализма потянулась прежде всего мятежная художественная молодежь - "потерянное поколение", как называли тех, чья молодость совпала с первой мировой войной. Теоретически сюрреализм основывался на философии интуитивизмом Анри Бергсона (познание истины возможно только с помощью интуиции, творчество является иррациональным, мистическим актом), на философии Вильгельма Дільтея, который настаивал на роли фантазии и случайного в искусстве, а также на учении о психоанализ Зигмунда Фрейда, которого сюрреалисты считают своим идеологом: уже в первом манифесте говорилось, что творчество основывается на "психологическом автоматизмі", на маячном мире подсознания, что это "диктовку мысли при отсутствии каких-которой эстетической или морального озабоченности". Своими предшественниками сюрреалисты объявили выходца из России живописца Марка Шагала и итальянского архитектора Антонио Гауди. До сюрреализма в литературе примкнули такие великие мастера, как Поль Элюар, Луи Арагон, Федерико Гарсиа Лорка, Пабло Неруда.

В живописи сюрреализма главное - воздействовать на зрителя ассоциациями, поэтому в нем тяжелое зависает, твердое растекается, мягкое окостеневает, мертвое оживает, крепкое разрушается, живет превращается в гниль и прах.

Величайший художник этого направления, творчество которого началась в 30-е годы, - Сальвадор Дали (1904-1990 гг.). Очень талантливый живописец, автор книг о себе, богохульник и католик, мультимиллионер, мистификатор и циник, он вел сприймача в мир бредовых ассоциаций. Исследователи указывают на два методы в его творчестве: или он вводил в нереальный, фантастический пейзаж предметы нарочито будничные, или искажал реальные до пугающего образа. В картине "Предчувствие гражданской войны" (1936 г.) изображена разложена голова на костяной ноге с двумя огромными лапами, одна из них выжимает кровь из другой части тела, страшная голова которого закинута назад в диком вищирі. И все это на фоне мертвого пейзажа.

Во времена второй мировой войны центр сюрреализма переместился в Америку. Здесь Далее создал проект "Института изучения проблем атомной бомбы в отношении искусства" (при этом атомная бомба воспринималась как нечто обычное) и нарисовал картины: "Три сфинксы бикини" (три головы с перманентом, что вырастают из земли), "Атомный Нерон" (расколота статуя императора) и "Атомная Леда" (почти академически правильное изображение женского тела и лебедя с огромными лапами).

Наивысшего успеха сюрреалисты достигли в 40-50 гг. В 60-х они уступили популярностью новой волны абстракционизма - поп-арта. Этот термин (искусство для широкого потребления, популярное, массовое) возник для обозначения разного рода коллажей, комбинаций из бытовых вещей на холсте. Исследователи считают, что это реакция на беспредметное искусство, один из проявлений уже постмодернистской культуры. Составными частями произведения поп-арта могут выступать манекены, части машин, чучела, афиши, окурки и др. Несколько из этого делали еще дадаїсти, но, правда, с юмором.

В середине 60-х гг. возник оп-арт. В работах художников оп-основное внимание уделялось оптическим эффектам, которые основываются на причудливые, порой удивительных композициях абстрактных геометрических форм. На полную силу это авангардистское крыло продемонстрировало себя в Нью-Йорке, на выставке "Зоркий глаз", в которой участвовало 75 художников из десяти стран. Оп-арт определенным образом повлиял на художественную промышленность, прикладное искусство, рекламу.

В те же годы возникло и кинетическое искусство, в котором главным принципом было то, что произведение "двигался, вибрировал, набирал энергии, умирал и вновь возрождался".

Новинками постмодернизма стали также световое искусство (в основном это спроектированы на экран подвижные, порой весьма эффектные комбинации цветных лучей); хэппенинг (это действия самих участников - своеобразные живые картины, но картины, не связанные логично, хаотичные); гиперреализм, а точнее фотореализм (использует цветную фотографию или муляж для воспроизведения действительности).

В искусстве XX века живут и реалистические традиции. Новый реализм, которому еще не найдено точного названия и который чаще всего именуется реализмом XX ст., начал складываться с первых лет нынешнего века в экспрессивной немецкой художественной графике Кете Кольвиц (серии офортов "Восстание ткачей", "Крестьянская война"), в гравюрах бельгийца Франца Мазереля (серии "Крестный путь человека", "Мой часослов", "Город"), швейцарца Теофіля Стейнлейна, лирических пейзажей французов Мориса Утрилло и Альбера Марке.

В годы фашизма рисуют свои антифашистские произведения Ганс и Леа Грундінг (графические циклы "Звери и люди" и "Война грозит"). Героическим экспрессионистской живописью названа творчество Гарсиа Лорка: серия графических листов, изображающие зверствах фашизма. Так зародилось искусство итальянского неореализма, которому предстояло пережить блестящий расцвет в кинематографе.

В 50-е гг. выступили так называемые социальные реалисты Англии: график Пол Хоггарт, живописец Клиффорд Ро.

Верной реализма осталась и французская скульптура, которая дала в начале века трех выдающихся мастеров - Аристида Майоля (памятник Сезанну, "Присела на корточки"); Антуана Бурделя ("Памятник павшим в 1870-1871 гг.", "Стреляющий Геракл", памятник Адаму Мицкевичу в Париже); Шарля Деспіо.

Глубоко гуманистическая по своей сути искусство замечательного итальянского скульптора Джакомо Манцу, художника-философа ("Распятие", "Кардинал", серия "Балерина", рельефы для "Врата смерти" собора св. Петра в Риме).

Хотя скульптура никогда не была ведущим видом английского изобразительного искусства, именно Англия родила одного из величайших мастеров скульптуры XX ст. - Генри Мура (1898-1986 гг.). Его работы - от вполне реалистичных к чисто абстрактных - величественные и монументальные ("Мать и ребенок", Хорхемптон, Собор св. Матфея; "Лежащая фигура" для здания ЮНЕСКО в Париже).



Назад